大提琴练习技巧及运用方法

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大提琴练习技巧及运用方法

　　大提琴是音乐界不可缺少的重要低音乐器，在交响乐团中占据重要的地位。它的起源要追溯到16世纪末，是由一种叫作“低音维奥尔琴”或“膝间维奥尔琴”的乐器演变而成。那么，下面是由yjbys小编为大家分享大提琴练习技巧及运用方法，欢迎大家阅读浏览。

　　一.大提琴练习中右手的重要性

　　1.人体拥有物理的美感

　　人体是由很多不同大小的关节组成的，从物理学和生理学的角度上讲，最舒服的姿势和最科学的肢体活动，才能造成能使琴弦最大共鸣的力度。右手握弓的时候，其实只是用三个手指，拇指;食指;小指。这三个指头就可以形成一个三角形，保持基本的稳定，有时候我们往往会忽略小拇指，其实小拇指的作用是很大的，在换弓和前半弓运弓的时候，小拇指可以起到食指起不到的作用。若抛开肢体活动不说，想要演奏出完美的音色，需要注意两点，就是力度和弓速。在右手上大臂的力量是最大的，所以我们在运弓的时候一定要学会使用大臂的力量，肩是右手臂的主要杠杆支撑点。肩的力量来自背部腰上的力量再传导到肩上。在演奏时右手的大臂、小臂、手腕和手指一定要使力量上下贯通，在演奏的时候一定要记住什么时候都不能把肩膀扛起来，使身体的力量无法传达到大臂。手肘应该处在左肩膀和身体一侧中间一半的地方，手腕不要过分的灵活，在我们换弓的时候一定要注意不要妨碍弦的震动和力的运用;演奏者要掌握好弓速，才能演奏出自己所希望的表现力，这些都需要右手在运弓时对弓速的良好掌握来配合的，练习时要将长短弓进行时值一样的搭配练习。

　　2.运弓的技巧

　　运弓时的每一步一定要到位，首先从弓根开始，最初用手臂运弓，以肩部后臂为主;当弓运行到中弓时，前臂为主，伸出手腕至弓尖;从弓尖回来时，前臂为主至中弓，然后用整个手臂推至弓根，手腕顺弓根方向稍抬起，整个动作一气呵成，如果在这个过程中觉得什么地方别扭，那肯定是姿势出现了扭曲(改正姿势的过程除外)，所以我们要用最科学，最舒服的姿势来运弓。

　　3.琴弓触弦的力度

　　在练习的过程中，经常会出现一些违背自然生理规律的现象。如握弓手指僵硬、大把抓，拇指和其余四指都立起来，四指紧并，捏着弓杆，或握弓太浅、过深等，这样都是会影响琴弦的震动，无法传出乐音。还有一种情况就是用大臂的力量将琴弓往下压，想用蛮力使琴弦震动，这样都是错误的。在我们练琴的过程中，总会听到这样一个名词，叫“解放右手” 只要有一个关节僵住，运弓就不能通畅。此时，应该运用手臂本身的重量自然地放到弓杆上，通过弓杆马尾放到琴弦上，这是运弓的第一步，是非常重要的。用重量运弓和加肌肉压力是两个不同的概念，不能混为一谈，但两者是密切联系的。在运用重量的前提下，根据力度需要适当增加肌肉压力。若两者概念不清，在不能使手臂放松和不会运用重量运弓的情况下，想加强力度就会出现死压肌肉的现象，从而超出乐器本身所能承受的范围。一味地追求音量效果，就会出现“死压弓”，发出极不自然甚至刺耳的声音。经验证明，这种毛病是运弓的致命伤，是发音好坏的关键所在，所以必须注意。我们都知道，两个物体在垂直的时候是摩擦力最大的，所以琴弦与弓要保持垂直才能最大化的震动琴弦，我们在练琴是看到的弓与琴弦的垂直其实是不垂直的，如果我们在镜子前练琴能过发现了，练琴中我们看到的垂直其实是弓尖在上，弓根在下，所以我们练琴时，运弓到弓尖，就应该自然的将手臂往外延伸，这样才能使弓和琴弦保持最垂直的状态，从而达到最好的效果。

　　二.手腕是保持力度的关键

　　1.立腕还是平腕

　　在手腕方面，还应注意的一点就是手腕的姿势，现在流传着两种说法，一种是手腕持平，用整个手掌压在弓上，另一种是手腕立起来，靠手指的张力扒住弓，那么着两种方法哪一种是正确的呢。我认为将手腕立起来，不仅能使力量更好的传导到弦上，还能使手腕灵活，解决手腕灵活度的问题的同时，页可以解决力度问题，一举两得。手腕立起来还有一个好处，就是可以自然的将弓毛完全贴在琴弦上，使琴弦完全震动起来。在这之前，我的手腕不慎扭伤，导致手腕没法正常弯曲，这就给我带来了很大的困扰，因为我在拉琴的时候是习惯立腕，受伤之后手腕就不能立起来，只能持平，每次练琴的时候，拉一会手就会变得非常酸，而且明显感觉力度用不上，或许是因为习惯了立腕的动作而不适应手腕持平。但是这却又一个好处，以前我在运弓的时候，换弓的一瞬间我的手腕会甩一下，现在手上绑着绷带，倒是把这个毛病解决掉了，尤其是在练习巴赫无伴奏第一组曲的前奏曲时，不会像之前那样因为手腕和小臂用力不同而混乱，这也就引申到了下一个问题，手腕的松弛度。

　　2.手腕的松弛

　　但是在我练习的过程中，发现了一种误区，那就是手腕的过度松弛松弛，有的时候感觉手腕非常松弛，每次换弓都会甩手腕，但是在每次换弓的时候，看似松弛的手腕却是把腰上传导过来的力量全部都甩掉，弓还是没法完全粘在琴弦上运动，这边是一个细节的问题，在每次换弓时，手腕一定要保持住原来的动作，反而手指可以适当的随着弓活动，这样整个臂就保持一个各个关节都运动的状态，那么力量自然就能很好的传导，力臂也会保持松弛。

　　3.怎样将合适的力度保持下去

　　在姿势和力量运用正确的同时，就要强调保持。我们将琴弦震动到最适当的程度之后，接下来的就是要保持，一定要和列的运用弓的“惯性”，每一弓之间的瑕疵要很小，尽量听不到。在这个过程中，首先要注意是手臂紧张导致不能运用重量运弓，还是弓子贴不到弦上以至发出虚飘的声音。另外还要注意的是用重量运弓和加肌肉压力时，一定要避免把弓“压死”，妨碍弦的震动，发出很死板的声音。

　　三.配合右手的力度练习

　　在姿势和力度都保持正确的前提下，现在就来说说右手的练习。著名大提琴家卡萨尔斯曾示范过一种大提琴右手练习的方法，就是用慢速一弓四个音来拉奏渐强减弱的音，甚至一弓六个音，八个音，十二个音，通过这样的练习，可以把手臂的力度全部集中在食指，拇指和小指上。从而也能解决肩部紧张，手臂紧张的问题。还有一个最好也是最简单的方法，就是练习空弦。因为空弦练习的时候可以把注意力全部放在右手上，每一个动作都可以注意。从一弓一个音四拍的慢练到一弓四个音、八个音，根据不同的速度来选择不同的力度和姿势，不管一个音还是八个音，都用全弓来拉奏，保持弓根和弓尖的力度一致。例如《波帕尔高级练习曲40首》中的第二首，在练习的时候就可以用这种方法，可以将一小节分成四弓，每一弓拉四个十六分音符，通过练习慢慢的变成一弓八个十六分音符，到最后拉奏完整的一小节。这也就是为什么《巴赫无伴奏第一组曲前奏曲》有前连弓后分弓的版本了，这样可以既保持乐句的连贯又能解决因为弓尖力度和弓根力度不好控制的问题。

　　四.左右手的配合演绎完美音乐

　　1.左手的重要性

　　基本上所有的乐器都需要左右手的配合，那么大提琴也不例外，在大提琴的演奏中，左手担负着最重要的使命。首先，也是最重要的，就是音准，音准是表现音乐的最重要的条件;音乐不同于别的艺术，不像绘画，雕塑或是写作，音乐是瞬间的艺术，不能修改的，在演奏的过程中，只有一次，不能返回去再改变。所以这对我们的左手要求就非常高了，如果有一个音不准，那都是毁灭性的错误。其次就是左手的的颤音，也就是揉弦根据作品的不同要做出不同的变化。如果乐曲需要表现悲伤的色彩，我们可以用幅度比较大而且频率慢的揉弦。如果是欢快的乐曲，我们则应该使用快速的揉弦。而且在低音区的揉弦与高音区的揉弦也应该有所区别。高音区，音频高，声音亮。很容易被人接受。快而短促的揉弦停起来非常悦耳。而低音区，由于音频宽，短促的揉弦实际上起不到什么效果。这就需要左手完美的控制揉弦的力度和频率。最后，也是我们经常会忽略的一个问题，就是左手手指的力度，相信大家在初学的时候都联系过打指，就是手指用力打弦，打下去就放松，从一拍打一下一直练到打很多下，这样练习是为什么呢?手指打弦的力度上去了，便有了颗粒性，什么叫颗粒性，也就是我们通常所说的干净，有的人手指不干净，拉出来的东西总感觉是一滩烂泥，而有的人拉出来什么音就是什么音，干净而清晰，这就是左手手指的功夫。

　　2.右手的任务

　　右手的任务就是保持音色，将不同感情和不同强弱的音乐明显的区分出来，不管是一个音也好，一个乐句也好，右手都要赋予他们不同的色彩。运弓的方法也会使的声音产生很多变化。弓法的技巧是非常多样的。顿弓、跳弓、撞弓等等这些都是大提琴演奏家在很多年演奏中慢慢开发出的技巧。这些技巧在乐曲中大部分都标了出来。我们只需要按照谱子的标记去演奏就可以了。但是还有很多运弓的方式谱面上并没有标记，例如弓速、弓段。这些问题如果解决不好，那就会限制我们右手的运弓，从而影响的音色。

　　音乐与语言是有相同性的，音乐有的时候就像说话、唱歌一样。所以我们想分配好弓子的运用，就应该先划分好乐句。这样我们才能分配好弓段，选择正确的弓速。

　　曾经有一位大提琴家说：“用左手拉琴是‘匠’，用右手拉琴是‘家’，用心灵拉琴是‘大师’”。心灵是一个抽象的名词，但我们暂且可以把心灵想作是左右手，左右手的控制配合就是用心的一个过程。

　　3.左右手的配合

　　在练琴的过程中，我们经常会遇到这样一种情况，就是在拉快的东西的时候，往往左右手会不在一起，不是左手快一点，就是右手快一点。这是一个致命的问题，时间久了会导致我们在拉快的东西的时候开始不自信，那么这种问题要怎么解决呢?除了我们通常用的慢练之外，还有一种方法是可以适用的，这是我的老师告诉我的一种方法。就是左手先触弦，右手再拉动，在听觉上就是慢半拍，这种联系可以很好的解决左右手打架的问题，因为通常都是左手比右手慢一点。

　　五.演奏中的呼吸

　　除了手上的功夫之外，还要注意的一点就是呼吸，让音乐随着自己的呼吸来流动。呼吸对于世界万物都是必不可少的，缺少了呼吸，一切就都没有了灵动。音乐是表现人思想感情的产物，演奏者则是音乐作品的第二度创作者，演奏者的感情是要随着音乐作品的情感变化而变化，当我们情感波动时，人的呼吸会加速或减慢 ,变浅或加深，当演奏音乐作品时 ,演奏者的情感势必跟随音乐作品而变化 ,从而导致演奏者呼吸的变化。这时如果演奏者的呼吸与乐曲的情绪相一致的话 ,就会更完美地表现作品。所以在演奏中应该有意识地调节呼吸 ,使之一气呵成、将乐曲内涵充分地表现出来。

　　1.第一句之前的呼吸

　　在演奏第一句之前，我们有时候会有一些误区，一些演奏者会在演奏第一句前深吸一口气，然后一直保持这样的呼吸，但是我认为，深吸一口气倒不如深吐一口气，将自己完全的放松下来，将第一句作为吸气的开始，这样才能保证在演奏中呼吸均匀。

　　2.乐句之间的呼吸

　　在音乐作品中，会有不同的乐句，在乐句之中和每个乐句之间，都会有一定的联系和停顿。这些联系和停顿就是我们所说的呼吸。音乐是人类语的一种高级语言有时候无法用文字表达的美好或是丑恶，却能用音乐表现出来，它同语言一样有着长句短句之分，同样有着我们中文里的排比，顶针的手法。有着抑扬顿挫的语气变化，有表达一个中心思想的结构性和完整性。它跟人类的呼吸一样，没有呼吸就没有乐句，也就没有了语调和结构，没有了生命。有的人大提琴演奏中出现不顾音乐的分句，演奏中缺少音乐的呼吸，那么他的演奏就只是在描述音符，这是没有意义的。

　　3.理解乐曲

　　一些教师在教学过程中也常常忽略这一非常重要的问题，教师对作品的不理解，导致了学生也无法正确的理解乐曲，到最后，学生对乐句的认识模糊，处理作品缺乏音乐的律动性和歌唱性，让人感觉到紧张和不自然，也缺少了作品应该表达的思想感情。我们知道，音乐是一门时间的艺术，在时间中展开又在时间中结束。演奏者对于呼吸时间的把握，应该考虑到音乐本身的节奏特征和律动特点。演奏者要善于体会这种感觉，只有这样才能掌握好呼吸的时间。在演奏一句长达几十个小节的大起大落的旋律时就必须以舒缓而绵长的气息为根本。同样，在需演奏情绪高涨激昂，或者速度较快的一段乐句时，演奏者本人的呼吸也应该相应加快，到高潮音之前的呼吸可以较深一些。但不管怎样，演奏者本人的呼吸与乐句的呼吸在根本上应该是一致的，而且与乐段乃至整首乐曲的呼吸也应该是和谐统一的。此外，对于演奏中呼吸的掌握，应先把乐曲演奏熟练完整的情况下，通过反复哼唱乐曲的旋律来深入体会乐曲的断句，然后将它运用到实际演奏中去，将自身的呼吸与音乐的呼吸融为一体。只有这样，才能达到表现音乐内涵的目的，才能将音乐作品演绎得淋漓尽致。

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